以艺术学术为志业 | 广州美术学院2026届博士研究生毕业展

博士研究生教育是国民教育的最高层次，是拔尖创新人才自主培养的核心环节，是国家创新体系的关键支撑。在以中国式现代化全面推进强国建设、民族复兴伟业的征程中，艺术领域的博士教育同样肩负着不可替代的使命——它不仅关乎文化的传承与创新，更承担着以艺术智性与审美智慧，回应科技变革、社会转型及文化自信等时代命题的重任。

广州美术学院的博士研究生教育，自2021年成为博士学位授予单位、2022年正式招生以来，至今已走入第五个年头。从首届4位博士毕业生的星火之始，到本届9位博士同学的整装待发，我们见证的不仅是一个数字的增长，更是学校高层次人才培养的不断发展。五年来，学校形成了“艺术学”“设计学”两个一级学科、“美术与书法”一个专业学位，共三个博士学位点的培养格局，开启了学术型、专业型博士分类培养的深度探索。我们邀请国内外一流专家学者，构建起日益完善的博士课程体系；我们搭建跨界融合平台，鼓励问题导向的艺术学术研究。本次展览中展出的所有学位论文，都不仅是博士研究生同学个人思考的沉淀，也是他们回应时代命题的阶段性答卷。

一个世纪前，马克思·韦伯(Maximilian Karl Emil Weber)的著名演讲《以学术为志业》(Wissenschaft als Beruf)勉励青年人，将学术作为内心深处不可抗拒的召唤，作为毕生甘愿为之承受不确定性、寂寞甚至困顿的追求。在这里，我们也希望我们的博士研究生同学，都能够“以艺术学术为志业”，此去经年、不忘初心，始终保有对艺术探索的热忱，对艺术创造的执着，对艺术事业的虔敬，为中华优秀传统文化的传承与创造性转化，为科技革命持续加速时代艺术的创新性发展，为国家文化软实力与人民美好生活愿景，持续注入艺术学术动能。

愿“艺”为心之所向，“志”为行之所往。

广州美术学院研究生院

二〇二六年六月

论文题目

计划美术：中苏同盟时期的美术生产与观念互动

导 师：胡斌

研究方向：现当代美术史论与批评

论文摘要：中苏同盟时期，两国美术界深入互动。既有研究多以中国史料为基础，本文则兼顾中苏两国公开档案与首次披露的内部史料，系统梳理两国互动，揭示美术交流的深层动因与长期影响。

中国美术“苏联化”虽肇始于中央政策，但美术家群体对苏联美好生活的想象也发挥了重要作用。然而苏联斯大林晚期以架上美术为中心的策略难以与计划经济匹配，造成大量官僚主义现象。

斯大林去世后，苏联美术界辩论频发。两极分化的苏联观点东传，导致中国美术家认知分化；中国“双百”方针传入苏联，也引发苏联美术界与苏共中央的分化。在这一背景下，苏联“双百”支持者试图引入中国作品拓宽表现形式，最终将装饰美术开辟为新领域，中国也随之引入了这一方向。

与架上美术相比，装饰美术遵从工业品定价，借助国家计划发展，形成符合计划经济的美术生产方式——计划美术。中苏在装饰美术领域的话语创新，是建构社会主义美术自主知识体系的重要尝试。

论文题目

乾隆朝“岁朝图”的观众及其回响

导 师：尹吉男

研究方向：中国美术史研究

论文摘要：“岁朝图”是围绕元旦新岁形成的节令图像，多绘清供陈设、节令物象、人物行乐与家庭欢庆场景。本文以乾隆朝岁朝图为研究对象，依据清宫档案、御制诗文、画史著录、地方文献及海内外传世实物，采用图文互证的方法，结合视觉文化、物质文化与跨文化传播视角，考察岁朝图在宫廷、臣僚、民间与海外传播中的生成、流转及意义嬗变。

岁朝图并非意义固定的新年图像，而是在不同观看关系中生成意义的视觉载体。乾隆朝时，它在皇帝题咏与元旦礼仪的作用下，被纳入宫廷视觉秩序，成为皇权意识与太平想象的重要表征，并通过君臣题画、进献与唱和扩展至臣僚文化圈。进入苏州商业与版画体系后，岁朝图转向世俗化表达，表现团圆、多子、富贵等家庭愿景。东传日本、西入欧洲后，它脱离中国本土语境，被纳入收藏、装裱与室内装饰体系，生成新的视觉内涵。本文试图从“观看”的角度，重新理解岁朝图的历史意义，并为清代视觉文化及其跨文化流动研究提供新的观察路径。

论文题目

阿德里安·斯托克斯的艺术写作研究

导 师：王玉冬

研究方向：技术美术史研究

论文摘要：阿德里安·斯托克斯（Adrian Stokes, 1902–1972）是20世纪技术艺术史脉络中一位被长期遮蔽的先驱。在技术艺术史仍受困于“技术”的工具论预设、且鲜少关照主体经验的语境下，斯托克斯以其极具原创性的“艺术写作”，直觉性地触及了技术艺术史向“技艺”（technē）转向的核心命题。

斯托克斯的独特之处，在于他并未止步于技法记录，而是通过“艺术写作”这一写作的技术，贴近工匠之手与物质性情的互动。他以现象学式的触感文字，将不可见的“良工”呈现为“让事物如其本然地显现”的实践智慧。1930年代起，斯托克斯将梅兰妮·克莱因的精神分析引入艺术写作，借此将审美体验转译为处理内心冲突的修复美学(reparative aesthetics)，在文字中重新“筑造”(poiesis)现代人的诗意栖居，最终将艺术写作“提升”为“修复”受损生活的一种根本性“技艺”。

深入梳理斯托克斯的艺术写作实践，不仅确立了他在技术艺术史谱系中的先驱地位，更将为当前走入瓶颈期的艺术史写作，提供一个极具启发性的替代方案。

论文题目

风景入画:明清时期岭南山水的实景、认知与图画

导 师：尹吉男

研究方向：中国美术史研究

论文摘要：本文围绕明清时期岭南山水的认知、实景与图画探讨三者的“错位”。研究缘起于文人画家对岭南山水认知从“险恶”转向“奇绝”的过程中，实景、认知与图画三者并未同步的“错位”现象。不同于既有研究聚焦风格演变与交游鉴藏，本文深入分析绘制岭南山水的独特困境，并借此反思中国山水画传统与实景的关系。首先考察岭南地理空间与实景状况，为后续讨论提供参照；随后揭示岭南山水从“发现”到“再造”、从“险恶”到“奇绝”的认知转折及由画面气质引发的争论；接着分析岭南以庾岭为界、北山南海的空间建构及图像呈现的张力；再分析岭南梅的文本显赫与画中缺席、木棉的图像尝试、无雪气候与西洋技法等实例，揭示画家“知异而同”的错位现象；最后以屈大均命名罗浮山为“南岳”为切入点，展现遗民群体从“被看见”到“被命名”的观念重构。岭南山水的意义在于集中呈现了实景、认知与图像之间的“错位”“博弈”与“重构”过程。

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汤小铭《永不休战》的艺术建构与经典化研究

导 师：蔡拥华

研究方向：绘画语言研究

论文摘要：油画《永不休战》是汤小铭现实主义创作的代表作，也是20世纪中国红色美术的经典。针对当前学界对该作品多停留于表层解读，缺乏对其“经典何以生成”这一核心命题的深度阐释，本研究以“艺术建构”与“经典化”为核心，依托广州鲁迅纪念馆档案、汤小铭未刊手稿等一手史料，系统考察作品从创作本源到美术史定位的完整历程。

研究通过梳理苏式学院教育对艺术家观念的塑造，从视觉叙事与形式语言（构图、光影、色彩、肌理）维度，揭示作品在“红光亮”主流范式之外，实现政治叙事与艺术本体辩证统一的内在机制。同时，梳理作品半个多世纪以来从政治宣传向公共美育的功能演变，还原其经典化核心过程。

本研究不仅深化了对《永不休战》的学术认知，为红色美术经典研究提供了新的范式参考，亦对当代主题性美术创作具有重要的理论启示与实践借鉴价值。

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20世纪二三十年代“新国画”技法变革研究一一以高剑父为例

导 师：李劲堃

研究方向：中国画现代转型及区域现象研究

论文摘要：高剑父作为岭南画派的核心创始人，致力于传统中国画的现代性转型探索，逐渐确立“新国画”体系，其艺术探索历程，无疑是中国近现代美术史中传统绘画向现代转型的典型范本，具有重要的学术研究价值与现实意义。本研究以20世纪二三十年代为时间范畴，选取“新国画”技法变革作为切入点，将技法变革置于社会传播、文化论争及近代教育转型等复杂情况中加以考察。通过图像学分析与风格考据相结合的方法，分析其技法变革的细节。如何重构传统程式，如何引入西画技法，在中西文化冲击下并非简单的形式拼贴，而是通过系统性变革，以此回应现代国家形象建构中的视觉文化需求。简而言之，本研究试图从高剑父“技法变革”研究视角出发，重新探究中国画的现代转型，突破风格史研究的既有范式。这不仅为理解高剑父“新国画”艺术实践提供了新的阐释纬度，更为探讨近代中国美术之现代性提供了一个可操作的典型样本。

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潮州木雕图像研究

导 师：齐喆

研究方向：工艺实践与理论研究

论文摘要：随着传统工艺与设计学研究的拓展，潮州木雕逐渐从审美对象转向综合性的研究样本，其图像系统在空间组织与社会意义层面的作用日益凸显。为此，本研究选取清中期至近代三处典型祠庙案例，通过跨时段比较，结合图像学、空间分析与田野调查等方法，探讨潮州木雕在历史生成、空间运行与地方转译中的演进路径。

研究发现，潮州木雕并非孤立的装饰，而是在礼仪空间中形成的具有中心、方向与等级关系的视觉组织系统，其意义源于图像与空间的协同设计。通过追溯各类母题在潮汕地区的传播与再造，研究揭示同一传统母题如何因应时代、建筑与功能被重新编码，形成地方化的图像表达。同时，图像生成深深嵌入地方社会网络，是空间预设、工匠传承与题材协商共同磨合的结果。在地方社会变迁中，木雕图像不断回应制度、身份与秩序的重组，展现出持续的在地化调适能力。

本研究通过构建整体阐释框架，拓展了建筑装饰研究的维度，为理解地方工艺在文化建构中的作用提供了新路径。

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跨文化语境下清中期广彩瓷设计调适与观看机制研究(1757-1842)

导 师：齐喆

研究方向：文化创意整合设计研究

论文摘要：作为跨文化贸易的核心物质载体之一，广彩瓷的设计与传播折射出中西文化交融的内在逻辑。本文以清中期广彩瓷为研究对象，将“设计调适”与“观看机制”相结合，通过拆解器物视觉组织的结构和语言，探究跨文化流通情境下广彩瓷“适配性设计”的内在逻辑。

论文从器型设计、纹饰组织、图像叙事维度，剖析广彩瓷设计调适的具体路径；构建“要素层－行为层－认知层”的三维分析框架，从生产环境、市场需求、跨文化识读需求方面，探讨广彩瓷观看机制的形成过程，厘清器型、纹饰、图像之间的结构关联。

研究表明，清中期广彩瓷的设计调适本质上是工艺转译对跨文化市场需求的主动回应，其观看机制是生产条件、消费场景与识读需求长期互动调适的结果。通过筛选晦涩叙事、优化视觉组织，广彩瓷得以在跨文化语境下进行有效识读，形成相对稳定的视觉传播模式。将观看方式纳入工艺研究，为理解工业时代前手工艺的跨文化传播规律与文化互动逻辑提供了新的分析路径。

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文化记忆构建视域下海丝文化的沉浸体验设计研究

导 师：谭亮

研究方向：数字艺术与交互设计

论文摘要：海丝文化作为东西方文明交流互鉴的重要历史见证，正面临记忆消解、传播乏力、传承断裂、价值弱化与异化等困境。伴随文化强国与国家文化数字化战略的纵深推进，数字化沉浸体验凭借具身性、交互性与叙事性等特征，正成为文化记忆构建的前沿范式。本研究从文化记忆构建视域，探究海丝文化的沉浸体验设计。基于扎根理论，识别出内容、技术、时空、叙事、互动、感知、情感和价值八大核心设计要素，提炼出时空复现、叙事吸引、感官刺激、互动激发、情感触动和意义融入等设计策略。同时，利用海丝文化数据集训练LoRA模型，搭建海丝文化数字化设计工作流。基于此，应用3D建模与VR技术，设计开发广州“十三行”海丝文化沉浸体验系统，经用户测试验证其有效性。并据此建构“文化沉浸体验人智协同设计模型”与“文化记忆构建导向的沉浸体验设计理论模型”。本研究为海丝文化的记忆赓续与活态传承提供了设计学方案，对同类历史文化的数字化活化与文化强国建设亦具有参考价值。

来源：广州美术学院研究生院